MINIMALISMO
El término
minimalismo en el arte fue empleado por primera vez en 1965 por Richard Wolheim
en un artículo en la revista Art Magazine.
El Minimalismo transformó en los sesenta
la concepción de la relación de la obra de arte con el espacio presupuesta por
la escultura de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los espacios
expositivos, en los que ahora predominan paredes blancas desnudas y grandes
salas, dado el gran tamaño de los objetos minimal.
Éstos, o bien estaban
realizados para un tipo de espacio determinado (esquina, pared), o para
intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden determinar,
además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.
A veces el espacio de la
exposición llama la atención sobre sí mismo, por su extrema neutralidad o por
el contraste que establece con las obras; otras veces es fondo evidente y
buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras
ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia
perceptiva por ella.
Podemos decir que toda obra
de arte modifica más o menos la percepción del espacio circundante, pero que
las minimal lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión
entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En
definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el
encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.
La mayoría de las obras
minimalistas son poliedros regulares, aislados o en serie, de apariencia pobre
o industrial, colores brillantes o apagados, materiales opacos o transparentes,
o incluso construidas con ladrillos, neones o contrachapado; se trata de
objetos geométricos simples en toda clase de materiales que carecen de la
llamada “verdad del material” y de la neutralidad de los medios artísticos
subordinados a la elaboración del artista.
No cuentan con una forma
significante que los separe del resto de objetos del mundo y los convierta en
artísticos. Podríamos decir que la única propiedad pertinente de los objetos
minimal sería esa misma objetualidad: la experiencia de una obra de arte es la
de un objeto físico y su tamaño, forma y orientación en el espacio. El
objetualismo minimal se manifiesta como afirmación de la escultura y de los
materiales, propiedades y procedimientos que le son propios y como
antipictorialismo o anti-ilusionismo.
PRINCIPALES AUTORES
Robert Morris
Es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución
del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado práctic
amente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de
los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista,
ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas
escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el
arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al
museo y la galería, danza, performan ce, vídeo o dibujo.
Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y
la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon
del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran
número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia
del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la
condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y
ceguera, entre texto e imagen, la me moria, la muerte, la catástrofe o la
melancolía.Cuestiones en todos los casos atravesadas por una crítica audaz e
inteligente tanto al modernismo y su concepción del arte como un aparte de la
vida, como a la modernidad entera en tanto que sistema opresor, disciplinario y
deshumanizador.
CARL ANDRE
Nació el 16 de
septiembre de 1935 en Quincy, Massachusetts. Es uno de los
nombres claves del arte minimal. Cursó estudios en la Academia Phillips de
Andover, Massachusetts, dirigida por Maud y Patrick Morgan. En el año 1957 se
instala en Nueva York, donde conoció a Frank Stella con el que compartió
estudio en 1959. Utiliza en su obra el material tal y como lo produce la industria (ladrillos, troncos
de madera, placas de metal, bloques de cementos sintético, etc.), redefiniendo la escultura en sus
características elementales: material, masa, espacio, volumen y gravitación. Su
trabajo durante cuatroaños para la compañía Pennsylvania Railway, se ve más tarde reflejado en los
"Element series" (1960), en los que se combinan elementos idénticos
superpuestos o yuxtapuestos cuyo
desarrollo en el espacio define el lugar donde se ubican. En 1966 realiza las
"Floor series", consistentes en placas metálicas reunidas en
cuadriláteros de poco espesor que terminan integrándose en el piso hasta que
desaparecen del campo visual del espectador. En 1972 la Tate Gallery adquirió la obra Equivalente VIII, que
consiste en una serie de 120 ladrillos dispuestos en un rectángulo sobre el
suelo del museo. Casado con la artista cubana Ana Mendienta, Andre fue acusado
de asesinato en septiembre de 1985, cuando tras sostener una fuerte discursión,
Mendieta cayó desde la ventana de su departamento en Manhattan, situado en el
piso 34, fue absuelto en 1988.
DONALD JUDD
Su trayectoria artística pasó de una primera etapa
como pintor abstracto de composiciones geométricas bastante austeras a una
segunda etapa como crítico de arte (durante los años cincuenta) y a una tercera
como escultor, desde comienzos de la década de 1960. Este último período es el
que lo convirtió en una figura de proyecciónuniversal y en uno de los
principales representantes y téoricos del minimalismo. En sus primeras
realizaciones utilizó la madera, pero pronto incorporó el plexiglás y el acero
inoxidable, su material más característico. Con ellos creó obras basadas en
yuxtaposiciones y superposicione
s mediante las que intentó expresar relaciones
afines a las progresiones matemáticas. Todas sus creaciones son obras frías,
carentes de cualquier intención decorativa o implicación emocional, en las que
a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la estructura de las
piezas
JEREMY MOON
Pintor británico (Altrincham, Cheshire, Gran
Bretaña, 1934 – Londres, 1973). Influenciado por el incipiente movimiento
minimalista que surgía en Inglaterra, Moon se convirtió en uno de los
protagonistas más importantes y fue el pintor
minimalista más relevante en el Londres en los años
60. Su objetivo como pintor era captar un flujo óptico de imágenes que
parecieran estar en reposo y que, al mismo tiempo, dieran la impresión de estar
en movimiento hacia el exterior. Durante una década, Moon desarrolló su pintura
como un monólogo de imágenes interiores.
La obra que se muestra aquí pertenece a la serie de
cuadros en Y realizados en 1967, que hacen referencia a los “shaped canvases”
(lienzos con forma) del “Hard Edge” americano, cuyos representantes pudieron
verse por primera vez en
Londres en 1963 y 1965. El cuadro se caracteriza
por la orientación dinámica y sígnica de su campo, que penetra en el espacio.
ENTRE OTROS MÁS
OPINION: No sabía tanto de
esta vanguardia y ahora que la veo quedo muy conmovido de que es una de mis
vanguardias favoritas
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